Biografi • Bilder av ensomhet

• Innsikt i Edward Hoppers verk

Født 22. juli 1882 i Nyack, en liten by ved Hudson River, fra en en kulturelt amerikansk middelklassefamilie, gikk Edward Hopper inn på New York School of Art i 1900, en prestisjetung institusjon som over tid har produsert noen av de viktigste navnene på den amerikanske kunstscenen.

Bortsett fra det stimulerende klimaet og mulighetene for kunnskap og debatt som kunstneren har mulighet til å gjennomføre med sine jevnaldrende på den skolen, utøves den virkelige innflytelsen på hans kunstneriske personlighet av lærerne, som presser ham til å kopiere verkene som er utstilt på museer og for å lære mer om forfatterne deres.

Videre forblir den smakssansen som skolens kulturelle «autoriteter» presser ham til å introdusere, grunnleggende, det vil si smaken for et ryddig maleri, med en klar og lineær strek. Denne tilnærmingen, som ved første øyekast kan virke akademisk, er faktisk konjugert (i lærernes intensjon og deretter adoptert av Hopper) av et kritisk forhold til reglene, som presser og inviterer den unge kunstneren til å finne sin egen vei personlig iht. filteret for følsomheten din.

Etter eksamen og første jobb som reklameillustratør hos C. Phillips & Selskapet, Edward Hopper, i 1906, vil gjøre sin første tur tilEuropa, besøker Paris, hvor han vil eksperimentere med et formelt språk nær impresjonistenes, og deretter fortsette, i 1907, til London, Berlin og Brussel. Tilbake i New York vil han delta i en annen mottrend-utstilling arrangert av Henri på Harmonie Club i 1908 (en måned etter gruppen av åtte).

I denne perioden skjedde Hoppers kunstneriske modning ekstremt gradvis. Etter å ha assimilert leksjonen fra de største mestrene, kommer han mellom forsøk og eksperimenter til å utvikle sitt eget originalspråk, som finner sin fulle blomstring og uttrykk først i 1909, da han bestemmer seg for å returnere til Paris i seks måneder, og male i Saint-Gemain og i Fontainebleau.

Siden begynnelsen av sin kunstneriske karriere har Hopper vært interessert i urban og arkitektonisk figurativ komposisjon der han kan sette inn en enkelt karakter, alene og psykologisk løsrevet, som om han levde i en isolert dimensjon. Videre har hans kunstneriske geni tillatt ham å bygge en helt original og gjenkjennelig fargepalett, en bruk av lys så original som det ikke har skjedd siden Caravaggios dager. Studiet av impresjonistene da, og spesielt av Degas, (observert og mediterte under hans reise til Paris i 1910), innpodet ham smaken for beskrivelsen av interiøret og bruken av den fotografiske typen innramming.

Hoppers ekstreme originalitet er lett å verifisere hvis man tenker på at det europeiske kulturklimaet på den tiden så ulike trender som agiterte på scenen, absolutt avanserte og revolusjonerende, men også noen ganger manglet en viss intellektualisme eller en tvungen avantgarde . Utvalget av alternativer som en kunstner kunne omfavne på begynnelsen av det tjuende århundre varierte fra kubisme til futurisme, fra fauvisme til abstraksjonisme. Hopper, på den annen side, foretrekker å vende blikket mot fortiden som nettopp har passert, og gjenvinne leksjonen til viktige mestere som Manet eller Pissarro, Sisley eller Courbet, uansett om den er omtolket i en storbynøkkel og får frem i temaene hans, bylivets motsetninger.

I 1913 deltok han i Armory Show International Exhibition of Modern Art, som ble innviet 17. februar i våpenlageret til det 69. infanteriregimentet i New York; mens han i 1918 vil være blant de første medlemmene av Whitney Studio Club, det viktigste senteret for uavhengige artister. Mellom 1915 og 1923 forlater Hopper midlertidig maleriet for å vie seg til gravering, utførelse av tørrpunkter og etsninger, takket være dette vil han oppnå en rekke priser og utmerkelser, inkludert fra National Academy. Suksessen oppnådd med en utstilling av akvareller (1923) og med en annen av malerier (1924) vil bidra til hans definisjon av lederen av realistene som malte "scenen

I 1933 dedikerte Museum of Modern Art i New York det første retrospektivet til ham, og Whitney Museum det andre, i 1950. På de tidlige femtitallet deltok Hopper aktivt i magasinet "Reality", frontkunstnere koblet sammen til figurasjon og realisme, som motsatte seg den uformelle og de nye abstrakte strømningene, og ble feilaktig identifisert (i klimaet med den "kalde krigen" og "heksejakten" åpnet av McCarthy) som sosialistiske sympatisører.

Beyond the utallige og mulige tolkninger av maleriet hans, ville Hopper forbli trofast mot sin egen indre visjon frem til sin død 15. mai 1967 i sitt studio i New York.

Charles Burchfield skrev "Hoppers. The path of a silent poem" publisert i "Art News" i 1950 skrev: " Hoppers malerier kan betraktes fra mange vinkler. Det er hans beskjedne, diskrete, nesten upersonlige måte å konstruere maleriet på; hans bruk av kantete eller kubiske former (ikke oppfunnet, men eksisterer i naturen); hans enkle, tilsynelatende ustuderte komposisjoner; hans flukt fra enhver dynamisk kunstgrep for å innskrive verket i et rektangel. Men det er også andre elementer i hans arbeid som ser ut til å ha lite å gjøre med rent maleri, men avslører et åndelig innhold. Det er f.eks.elementet av stillhet, som ser ut til å gjennomsyre alle hans hovedverk, uansett teknikk. Denne stillheten eller, som effektivt sagt, denne "lyttingens dimensjon", er tydelig i maleriene mennesket opptrer i, men også i de der det kun er arkitekturer. [...] Vi kjenner alle til ruinene av Pompeii, hvor mennesker overrasket over tragedien ble funnet, "fiksert for alltid" i en aksjon (en mann lager brød, to elskere omfavner hverandre, en kvinne som ammer barnet), nådde plutselig fra døden i den posisjonen. På samme måte var Hopper i stand til å fange et bestemt øyeblikk, nesten det nøyaktige sekundet som tiden stopper, og gir øyeblikket en evig, universell mening ".

Innsikt i Edward Hoppers verk

• Sommerinteriør (1909)
• Soir bleu (Blue Evening) (1914)
• Eleven A.M. (1926)
• Automat (Diner) (1927)
• Early Sunday Morning (1930)
• Gas (1940)
• Nighthawks (1942)